Die „Disco Bizarre", Party in der Party jede Samstagnacht in Raum 4, im Kellergewölbe des KitKatClubs, wird Plattenlabel! Am 17. Januar 2020 erscheint ihr erstes Vinyl-Baby mit insgesamt vier Songs des New Yorker DJs Son Of Lee, die Stücke sind aber auch via Streaming oder als High-quality Download verfügbar:„Four blazing Disco Edits venturing deep into American and Asian Disco by Son Of Lee from Brooklyn. He played a seamless DJ set for Disco Bizarre at KitKatClub Berlin in November 2019 and ever since we wanted to release some of his material... What a great opportunity to start up our new label, venturing deep into Italo, Disco, HiNRG and all the bizarre stuff in between!"Vorbestellungen für die Record/Vinyl-Version: 9,99 Euro, für das Digital-Album: 4,99 Euro. Alle vier Songs sind bereits jetzt schon im Netz freigeschaltet, klick den Link!
„Anleitungen für japanische Bondage gibt es im Internet massenhaft, doch ohne grundlegende Vorkenntnisse bleibt es ein Gefriemel. Auch die Umsetzung eigener Ideen erweist sich ohne die richtigen Seile, Knoten und Techniken als schwierig und ist mit etwas Pech sogar gesundheitsschädigend. Seit unserer Teilnahme an einem Workshop können wir uns beim Fesseln nun einfach dem Vergnügen hingeben. (...)" Ein Erfahrungsbericht in der bereits im September 2019 erschienenen Ausgabe Nr. 22 des Erotikmagazins 'Separée' gewährt Einblicke in einen Bondageworkshop mit 'Schlagzeilen'-Herausgeber Matthias Grimme und seiner Partnerin Nicole. Weitere Artikel der Ausgabe beschäftigen sich u.a. mit den Themen Body-Positivity, sexueller Mißbrauch oder größere Altersunterschiede in einer Beziehung. Die Themen der Anfang Dezember erschienenen aktuellen Ausgabe Nr. 23 sind dagegen die Verwirklichung einer Dreier-Fantasie, Sexsucht, nachhaltige Dessous und vieles weitere mehr. Der Link führt zunächst in den KitKat-Pressespiegel zu einem Interview aus Heft 22 mit den Machern der BDSM-Doku 'The Artist and the Pervert'.
Keine Gedichlesung sondern ein Theaterstück an der Berliner Volksbühne von Regisseur David Marton, das das ikonographische Gedicht und die Hymne der Beat-Generation auf seine zeitgenössische Aktualität hin befragt. Nächste Aufführungen: 11. und 22. Januar, 14. und 22. Februar 2020:„Das kleine Büchlein Howl and other Poems wurde 1956 als erste Publikation des jungen Dichters Allen Ginsberg in der Reihe City Lights Books Pocket Poets Series in San Francisco veröffentlicht und sofort einem Gerichtsprozess wegen des Verdachts auf Obszönität unterzogen, der mit einer historischen Bestätigung der individuellen Freiheit der Kunst und des kreativen Ausdrucks geklärt wurde. Seitdem ist das Gedicht Howl die Speerspitze poetischer Freizügigkeit, ein Angriff auf jede Form von Konformität, eine heilige Reliquie des Freiheitsdranges und Außenseitertums, kurzum: das Gedicht, das die amerikanische Gesellschaft tiefgreifend verändert hat und ihre Peripherie in den Mittelpunkt der Betrachtung rückte. Was sonst sollte man von Literatur verlangen?" (Veranstaltungstext)
Der Roman von D. H. Lawrence 'Lady Chatterley's Lover' war wegen seiner freizügigen Moral nach seinem Erscheinen 1928 gesellschaftlich stark umstritten und unterlag in den USA und Großbritannien noch bis Ende der 50er Jahre der Zensur. Die französische Dokumentation von 2019 'Der Prozess der Lady Chatterley - Orgasmus und Klassenkampf in einem englischen Garten' informiert über den berühmten Obszönitätsprozess der Britischen Krone im Jahr 1960 gegen den Taschenbuchverlag Penguin, der sich über das Zensurverbot hinweggesetzt hatte: „Ein Rückblick auf die Geschichte zeigt, dass dieser „Jahrhundertprozess" die sexuelle Revolution mit in Bewegung brachte, die in den 60er Jahren erst England und schließlich ganz Europa erfassen sollte." (Arte-Text) Noch bis zum 4. Februar 2020 in der Arte-Mediathek.
„Die Welt muss poetisiert werden!" Das forderten die Romantiker Ende des 18. Jahrhunderts. Was sagen Lyrikerinnen und Lyriker heute zu diesem Absolutheitsanspruch der Poesie? Und was bedeutet ihnen die Romantik für ihr eigenes Werk?"Ein knapp 27minütiger Beitrag auf Deutschlandfunk Kultur von Ende August 2019 erinnerte an die Frühromantiker um 1800, an Novalis alias Friedrich von Hardenberg und sein Symbol der Blauen Blume (aus seinem Roman 'Heinrich von Ofterdingen') und läßt zeitgenössische Lyriker von heute über ihr Verständnis von Romantik zu Wort kommen. Friedrich Schlegel formulierte den programmatischen Anspruch der romantischen Bewegung im Jahr 1798 so:„Die romantische Poesie ist eine progressive Universalpoesie. Ihre Bestimmung ist nicht bloß, alle getrennten Gattungen der Poesie wieder zu vereinigen und die Poesie mit der Philosophie und Rhetorik in Berührung zu setzen. Sie will und soll auch Poesie und Prosa, Genialität und Kritik, Kunstpoesie und Naturpoesie bald mischen, bald verschmelzen, die Poesie lebendig und gesellig und das Leben und die Gesellschaft poetisch machen."
„Kalifornien und speziell San Francisco stehen als Sehnsuchtsorte seit jeher für die Träume von einem „besseren Leben": Träume von Wohlstand und Überfluss, von anderen (zuweilen utopischen) Gesellschaftsordnungen, innovativen Lebensentwürfen, kreativen künstlerischen Perspektiven und neuen technologischen Horizonten. Sowohl der pazifisch-asiatische Raum im Westen als auch Europa im Osten haben San Francisco nachhaltig geprägt." (Ausstellungstext)Eine Ausstellung in der Bundeskunsthalle in Bonn spürt diesem Sehnsuchtsort nach, geht zunächst auf die lange historische Vorgeschichte ein und widmet sich dann ausführlich den Gegenkulturen ab den 50er Jahren des 20. Jahrhunderts bis hin zu den „virtuellen Träumen des Silicon Valley" in der Gegenwart. Zu sehen ist auch die erste Regenbogenfahne der LGBTI-Bewegung, die der schwule US-Künstler und Aktivist Gilbert Baker im Jahr 1978 entworfen hat, damals noch mit 8 Streifen: „Die Farben Pink, Rot, Orange, Gelb, Grün, Blau, Indigo und Lila standen für Sexualität, Leben, Heilung, Sonne, Natur, Kunst, Harmonie und den Geist. Baker wollte mit der bunten Fahne eine positiv besetzte Alternative zum Rosa Winkel schaffen." (queer.de) Die Farbe Pink fiel dem Problem der industriellen Serienproduktion zum Opfer, Indigo dagegen dem „schwulen Sinn für Symmetrie", weil sich eine ungerade Zahl von Farben bzw. Linien nicht gleichmäßig auf die beiden Seiten der Market Street in San Francisco verteilen ließen: „Seitdem besteht die sechsfarbige Fahne, wie wir sie heute kennen". Nur noch bis zum 12. Januar 2020.
„In den 1970ern tauchen neue Clubs in Deutschland auf. Kontakträume, heute besser bekannt als Darkrooms. Sie gelten der Öffentlichkeit als ausschließlich homosexuelle Fetisch-Keller, Orte grotesker Fantasien, die sich aus Gruselkabinett- und BDSM Klischees speisen. Aber was geht wirklich dort vor sich, wie funktionieren sie, wer geht hin und warum? In Dark Room sprechen stöhnende Stimmen, anonyme Hände und zitternde Körper: Alt, jung, dick, dünn, Frauen, Männer, trans, hetero und homosexuell, die freiwillig das Licht aufgegeben haben. Sie wollen nicht gesehen werden, verlassen die Grenze des Alltags, um etwas anderes zu gewinnen. Sie teilen miteinander, was die Dunkelheit erlaubt und wovon diese sie befreit; sie teilen einen Raum, in dem Gesetze und Moral der Gesellschaft gebrochen werden, wo Ideen von Liebe und Romantik, von Intimität und Sexualität auf den Kopf gestellt werden." (Programmtext)Regiedebüt des aus Israel stammenden Künstlers Ran Chai Bar-zvi am Staatstheater Hannover, nach einem Text von Autor Johannes von Dassel, der Interviews mit Menschen geführt hat, die Sex in Darkrooms haben. Die Lokalzeitung Hannoversche Allgemeine monierte, das Stück begnüge sich damit, die Lust zu feiern!? Na dann, nächste Aufführungen: 21. Dezember 2019, 12. und 17. Januar 2020.
„Bis heute gibt es weltweit Geistliche und Therapeuten, die Menschen von ihrer homosexuellen Orientierung "heilen" wollen. Der investigative Dokumentarfilm spürt Netzwerke auf, die ursprünglich aus den USA stammen und äußerst fragwürdige Behandlungen betreiben, sogenannte Konversionstherapien – mit gravierenden psychischen und gesundheitlichen Folgen für die Betroffenen." (Arte-Text) Die am 26. November ausgestrahlte Dokumentation ist noch bis zum 24. Januar 2020 in der Arte-Mediathek verfügbar.
„Die Kultur der Weimarer Republik verbinden wir mit Glanz und Glamour, den Goldenen Zwanzigern und der Avantgarde. Übersehen wird oft die Kultur der Massen, die in ihrer Zeit auf starke Widerstände stieß. Mit der Parole „Schmutz und Schund'" gingen besorgte Bürger seit dem Kaiserreich gegen die Vergnügungen der „einfachen Leute" vor. 1926 wurde das „Gesetz zur Bewahrung der Jugend vor Schund- und Schmutzschriften" durchgesetzt. Unter das Gesetz fielen vor allem erotische Schriften, aber auch Kriminal- und Abenteuergeschichten, die eine nicht näher definierte Qualität beziehungsweise moralische Integrität unterschritten." (Ausstellungstext)Das Deutsche Buch- und Schriftmuseum in Leipzig beleuchtet in einer Ausstellung diesen weniger beachteten Aspekt der Kultur- und Zensurgeschichte in den 20er Jahren, der sich in verschiedenen Ausprägungen bis in die BRD und DDR hinein fortsetzte. Zu sehen sind u.a. populäre Groschenheftserien, Romane in wöchentlicher Lieferung, billige Zeitschriften, erste Boulevard-Blätter, Fachbücher und Belletristik u.ä. mehr, wobei sich in den Zensurbestrebungen der Kampf um die kulturelle aber auch die politische Deutungshoheit manifestiert. Di-So 10-18 Uhr, Do 10-20 Uhr, Mo geschlossen. Eintritt frei. Noch bis zum 26. Januar 2020.
Im Theaterstück an der Berliner Schaubühne - Uraufführungs Januar 2017 - geht es um Tinder, die mobile Dating-App, und um Polyamorie, die Lebensform, bei der man nicht nur einen Menschen sondern mehrere gleichzeitig liebt und alle voneinander wissen:„Der Mensch ist ein Abgrund. OK. Alles klar. Dann springen wir doch mal rein. Kopfüber in diesen Schlamassel aus Sehnsüchten, Ängsten, biologischen und sozialen Bedingtheiten. Deeply (gender)troubled and deeply in need for love. Aber – Achtung! Achtung! – LOVE IS A BATTLEFIELD und LOVE IS BLINDNESS und LOVE IS A CATASTROPHE und überhaupt: LOVE HURTS." (schaubuehne.de)Mit Klick auf den Titel gelangt man zunächst in den KitKat-Pressespiegel zu einem Interview mit Hauptdarsteller Mark Waschke, der einer breiteren Öffentlichkeit auch als Berliner Tatort-Kommissar bekannt ist. Nächste Termine der Wiederaufführung an der Schaubühne: 19., 20., 21., 22., 23., 25. und 26. Januar 2020.
Ohnmachtsanfälle, Kopfschmerzen, Rückenschmerzen. Wehmut, Depressionen, kreative Blockade! Ein Regisseur in der Krise. Ein alter Film soll restauriert werden. Ein alter Schauspieler kehrt zurück. Zweifelhafter Drogenkonsum. Aufflackernde Erinnerungen. Homosexualität. Ein Zerwürfnis. Ein Erweckungserlebnis. Eine prägende Kindheitserfahrung...Was ist Dichtung, was ist Wahrheit? Das inhaltliche Leitthema seines neuen Films ist auch das große Lebensthema von Regisseur Pedro Almodóvar, der durch die virtuose Vermischung von klar autobiografischen mit fiktionalen Elementen hier auch die Ebenen von Leben und Kino kunstvoll zueinander in Beziehung setzt. Die Kritik jubelt und spricht von einem Altersmeisterwerk des mittlerweile 69jährigen aber vitalen spanischen Kultregisseurs, der wieder mit Antonio Banderas in der Rolle des Regisseurs und Penélope Cruz als die Mutter in dessen Kindheit zusammengearbeitet hat. Banderas wurde dafür mit der Goldenen Palme als bester Schauspieler bei den Filmfestspielen von Cannes ausgezeichnet: „Fellinis „8 1/2", Godards „Verachtung", Wim Wenders' „Stand der Dinge": Viele große Regisseure haben Introspektion und Selbstreflexion im Kino betrieben. „Leid und Herrlichkeit" reiht sich in diesen Kanon ein. (...) Mit Banderas als seinem wichtigsten Schauspieler. Und mit einer Hommage an das Kino selbst, diesen gefährdeten Ort in Zeiten der Streamingdienste." (Tagesspiegel) Seit dem 5. Dezember 2019 auf DVD und Blu-Ray, als Stream und als Download verfügbar.
„Ugly duckling" ist die englische Bezeichnung für „das hässliche Entlein", ein Märchen von Hans Christian Andersen, das symbolisch für die Themen Ich-Identität, Verwandlung, Transformation und Selbstermächtigung steht. Das Stück von Regisseur Bastian Kraft in den Kammerspielen am Deutschen Theater Berlin nimmt dieses Märchen als Vorlage und Folie für eine fulminante Perfomance Berliner Dragqueens:„Dass es sich bei diesen Verwandlungen auch um ein maskiertes Spiel mit Geschlechtlichkeit und Sexualität handelt, ist Ausgangspunkt für ein Projekt, das Andersens Märchen den Biografien von Berliner Dragqueens gegenüberstellt. Diese Protagonist_innen des urbanen Nachtlebens machen das Spiel mit Geschlechterrollen zum befreienden Spektakel. Dabei bewegen sie sich an der schillernden Grenze zwischen schamloser Selbstdarstellung und subkulturellem Sendungsbewusstsein. Die Transformation mittels Schminke und Perücken nämlich produziert nicht nur ein neues Ich, sondern damit auch ein neues Selbstbewusstsein. Die so erschaffene Kunstfigur ist der stolze Schwan, in dessen Gestalt sich das hässliche Entlein der Welt stellen kann."Mit Jade Pearl Baker, Gérôme Castell, Judy LaDivina, Helmut Mooshammer, Caner Sunar und Regine Zimmermann. Nächste Aufführungen: 14. und 31. Dezember 2019 und 17. Januar 2020. Mit englischen Übertiteln.
Im zweiten Teil der Talk-Reihe in der Berliner Urania geht es am Donnerstag dem 31. Oktober 2019, 18 Uhr, um „die neue Lust der Frauen". Eingeladen zum Gespräch über die weibliche Lust sind die Wiesbadener Frauenärztin Dr. Sheila de Liz, die den Bestseller „Unverschämt. Alles über den fabelhaften weiblichen Körper" geschrieben hat und die Berliner Sexarbeiterin Kristina Marlen, zu deren Kundenstamm zunehmend auch Frauen gehören. Am 19. November beschäftigt sich eine weitere Gesprächsrunde mit der Partnersuche im Alter, am 13. Dezember diskutiert das Podium dagegen „die Wahrheit über Pornografie". Die Moderation wird jedesmal von der Journalistin und Buchautorin Brenda Strohmaier geleitet, die die ganze Gesprächsreihe initiiert hat:„Eheliche Pflicht war vorgestern. Insbesondere in Berlin ist Erotik längst zu einem Selbstfindungsthema mit geistigem Überbau geworden, über das man viel spricht und liest. Und Lust somit zu einem Wissensgebiet, dem die Urania eine neue Veranstaltungsreihe namens „Sex Education" widmet." (Veranstaltungstext)UPDATE: Die Reihe wird am 17. Januar 2020 mit der Veranstaltung 'Make love - mal langsam', u.a. mit Ann-Marlene Henning, und am 21. Februar 2020 mit der Podiumsdiskussion 'Die Zukunft des Begehrens' fortgesetzt.
„Der Dokumentarfilm blickt hinter die Kulissen eines nie zustande gekommenen Projekts: Die geplante Verfilmung von Frank Herberts kultigem Science-Fiction-Roman "Dune" ("Der Wüstenplanet") durch den chilenischen Regisseur Alejandro Jodorowsky in den 1970er Jahren. Das aufgegebene Filmprojekt ist auch heute noch eine echte Referenz für zahlreiche Autoren und Regisseure." (YouTube-Text)Vor einigen Monaten wiederholte Arte eine Dokumentation aus dem Jahr 2013, die über ein faszinierendes Filmprojekt berichtete, das zwar nicht zustande kam aber in den folgenden Jahrzehnten eine Vielzahl von Regisseuren und Filmemachern inspirierte. In Jodorowsky's „Dune" sollten u.a. David Carradine, Charlotte Rampling, Orson Welles, Amanda Lear, Udo Kier, Mick Jagger und sogar Salvador Dali mitspielen, Pink Floyd die Musik und H. R. Giger den ästhetischen Look beisteuern. Seine nicht verwendeten Gestaltungsstudien wurden später in Gigers Buch „Necronomicon" veröffentlicht. Wer die Doku gesehen hat, versteht dann auch, warum die Dune-Verfilmung von Regisseur David Lynch aus dem Jahr 1984 so völlig mißraten ist. Die rund 86minütige Dokumentation ist auch auf YouTube verfügbar, klick den Link!
„Wer BDSM lebt, dem haftet oft das Stigma an, gestört oder verrucht zu sein. Im Sexpodcast blicken wir hinter die Vorurteile und erklären den Reiz der sexuellen Spielart." (ZEIT-Online)In der zweiten Septemberhälfte und Anfang Oktober 2018 brachte der Sexpodcast auf ZEIT-Online "Ist das normal?" einen dreiteiligen BDSM-Schwerpunkt mit jeder Menge geballter Informationen für Anfänger und Fortgeschrittene im Bereich des Sadomasochismus. Der Link führt zunächst zu Teil 3 der Serie und dem entsprechenden Eintrag im KitKat-Pressespiegel, der jetzt auch die beiden ersten Teile verlinkt. Die Artikel zu allen drei Folgen listen außerdem jede Menge weiterführender Quellen und Literatur auf, so auch z.B. 'Das SM-Handbuch' von Matthias T. J. Grimme, dem Herausgeber der 'Schlagzeilen' (siehe oben). Hinzugefügt wurden zusätzlich noch ein Link zum SWR mit 5 kürzeren Videos über Fetisch-Sex u.a. zu den Themen 'Fesseln für Anfänger', 'Mein erstes Fetisch-Outfit' oder 'Die Fetisch-Party', ein Link zur Reportage auf YouTube 'Wie viel „Fetisch" steckt in uns?' und ein Link zum Lokalradio der Universität Leipzig mit einer Auflistung von sieben kurzen Hörspielen aus dem Fetisch-Bereich.
Die Insider streiten bekanntlich immer noch, ob der Name des Clubs sich tatsächlich aus dem berühmten Filmmusical von 1972 herleitet oder ob "KitKat" und "Cabaret" z.B. nur einen gemeinsamen Urahn besitzen, der viel weiter in die Geschichte zurückreicht. Eine weitere mögliche Inspirationsquelle für die Namensgebung wäre aber z.B. auch die Verfilmung von Nikos Kazantzakis gleichnamigem Roman 'Alexis Sorbas' mit einem mitreißenden Anthony Quinn in der Rolle seines Lebens, wobei der gefeierte Kultklassiker und weltweite Kassenschlager, der emphatisch die Lebenslust beschwört, bereits aus dem Jahr 1964 stammt. In einer Szene besucht Sorbas einen Nachtclub und für einen ganz kurzen Moment sieht man auf einem Schild den Namen des Lokals: „Kit Kat Club"!„Sorbas glaubt, dass Gott am Ende alles verzeiht – bis auf eines: Wenn ein Mann eine Frau haben könnte und sie verschmäht, kommt er in die Hölle." (Dieter Wunderlich/Alexis Sorbas)
Ältere clubspezifische Einträge siehe auch die Surftips im KitKat-Pressespiegel, Unterseite Kunst & Kultur, rechte Spalte. Klick den Link!
Eine Ausstellung der Galerie Bachlechner in Bergdietikon ganz in der Nähe von Zürich präsentiert die Werke von 24 nationalen und internationalen Künstlern, die sich in ihren Bildern und Skulpturen in unterschiedlichen Herangehensweisen dem Thema Erotik nähern. Zu sehen sind Werke u.a. von Stefan Ester, Carolyn Heer, Jan Janczak, Monika Osiecka, Filip Piccolruaz, Marie Pierre, Ivo Soldini, Milan Spacek, Christina Wendt und vielen weiteren mehr. Noch bis zum 26. Januar 2010.
Eine Ausstellung der Galerie Maccarone in Los Angeles zeigte bis zum 22. Dezember 2019 Werke moderner Künstler mit erotischem Bezug. Zu sehen - und teils käuflich zu erwerben - sind u.a. Arbeiten von Louise Bourgeois, Delia Brown, Nao Bustamante, Cameron, Martha Edelheit, Tracey Emin, Karen Finley, Trulee Hall, Marilyn Minter, Narcissister, Bettie Page, Annie Sprinkle, Anita Steckel und Bunny Yeager. Besonderheit: die Ausstellung wird vom Pornostreaming-Giganten Pornhub gesponsert, der sein Image erweitern und modifizieren will, gleichzeitig tritt die Galeristin aber auch gegen die zunehmenden Zensurbestrebungen in ihrem Land an: „Ich habe eine Menge gegen die derzeitige Säuberung von Inhalten. Kunst ist inzwischen wahnsinnig marktgetrieben, und ich interessiere mich dafür, die Geschichte der Sexualität – insbesondere die Geschichte der weiblichen Sexualität – für die Kunst zurückzugewinnen. Das ist etwas, wofür ich leidenschaftlich kämpfe." (Michele Maccarone)PS: Ein Schweizer Nachrichtenportal übersetzte den Ausstellungstitel durchaus korrekt mit „das Prinzip des Vergnügens", aber der Begriff „pleasure principle" gilt normalerweise als die offizielle englische Übersetzung für den Freudschen und damit vielfältig sexuell aufgeladenen Begriff des Lustprinzips, was in diesem Kontext wohl angemessener wäre.UPDATE: Der Link führt jetzt zunächst in den KitKat-Pressespiegel zu zwei Artikeln über die Nutzerzahlen und Statistiken von Pornhub, die Aufschluß darüber geben, nach welchen Stichworten und Genres im Jahr 2019 auf der Seite gesucht wurde. Mit einem weiteren Kontextlink gelangt man zu einem Text über die abgelaufene Ausstellung.
Der Film von Regisseurin Sherry Hormann ('Wüstenblume') behandelt den Ehrenmord an Hatun Sürücü, die im Februar 2005 von einem ihrer Brüder in Berlin-Tempelhof erschossen wurde, weil sie angeblich gegen die Familienehre verstossen habe. Mit Almila Bagriacik ('4 Blocks') in der Titelrolle, die seit 2018 auch als Tatort-Kommissarin bekannt ist: „Alles in allem lässt sich der Film "Nur eine Frau" mit nur einem Adjektiv zusammenfassen: Gnadenlos. Gnadenlos wird das Publikum mit dem Mord an Hatun Sürücü konfrontiert; bis hin zur Einspielung von Originalfotos des Tatorts - inklusive Blick auf die mit weißem Tuch bedeckte Leiche der jungen Frau. Gnadenlos wird die dahinterstehende Motivation - in dem Fall religiöse Verblendung - aufgezeigt und das Ganze wird gnadenlos durch eine Riege mehr oder weniger bekannter Schauspielerinnen und Schauspieler brillant in Szene gesetzt." (Telepolis) TV-Premiere.
Die Tochter von Baron Frankenstein will ihrem Vater bei der Erschaffung von künstlichem Leben helfen. Das Experiment gelingt - mit fatalen Folgen... „Mit "Lady Frankenstein" hat der Schauspieler und Regisseur Mel Welles einen Gruselfilm inszeniert, der im Lauf der Jahrzehnte zu einem echten Kultklassiker des Genres avancierte. In klarer Anlehnung an den Stil der Horrorfilme aus den britischen "Hammer"-Studios erzählt "Lady Frankenstein" seine bizarre Geschichte in einer gelungenen Mischung aus klassischen Schauereffekten und überdrehtem Trash. In den Hauptrollen sind Joseph Cotten als genialischer Dr. Frankenstein und Rosalba Neri als seine Tochter zu sehen." (ARD-Text) PS: Rosalba Neri firmiert auch unter ihrem Pseudonym Sara Bay.
„Das Problem des Menschen ist nicht, sich hohe Ziele zu setzen und zu scheitern, sondern sich zu niedrige Ziele zu setzen und Erfolg zu haben." (Michelangelo)Der österreichische Regisseur Erwin Wagenhofer wendet sich in seinem neuesten Film dem Wahren, Guten und vor allem auch dem Schönen zu, während er sich in seinen früheren teils preisgekrönten Dokumentationen vor allem kritisch mit den Widrigkeiten des Lebens oder genauer: den Schattenseiten und Abgründen der modernen Zivilisation auseinandergesetzt hat. So prangerte er in 'We Feed The World' von 2005 die verheerenden Auswirkungen der industriellen Massenproduktion von Nahrungsmitteln und auch die negativen Folgen der Globalisierung in diesem Bereich an. In 'Let's Make Money' dagegen von 2008 ging es um die krisenhaften Verwerfungen des modernen Finanzsystems, während 'Alphabet' aus dem Jahr 2013 einen kritisch-analytischen Blick auf unser Bildungssystem warf.'But Beautiful' dreht dagegen jetzt, wie eingangs angedeutet, fundamental die Blickrichtung und konzentriert sich ganz überwiegend auf positive Vorbilder und gelungene Beispiele für ein gutes Leben. Und dabei stehen, wie es der Titel schon nahelegt, Aspekte von Schönheit, Kunst und Ästhetik, nicht zuletzt aus dem Bereich der Musik, im Zentrum der Betrachtung. Porträtiert werden etwa der US-amerikanische Pianist, Komponist und Autor Kenny Werner, der als klassischer Pianist begann aber auch mit zahlreichen Jazz-Größen zusammengespielt hat. 1996 veröffentlichte er sein Buch „Effortless Mastery" über die Überwindung innerer Hemmungen und Zwänge und die Entdeckung und Entwicklung der eigenen Kreativität, was insbesondere viele junge Musiker inspirierte: „Es geht nicht darum, wohin sich die Musik entwickelt. Es geht darum, wohin sich die Musiker entwickeln." Der junge österreichische Jazz-Trompeter Mario Rom, Mastermind der Gruppe 'Mario Rom's Interzone', wird u.a. mit dem Satz zitiert: „Ich hab' gar nicht so ein ultimatives Ziel..., außer dass ich nicht die Freude an der Musik verliere." Das Credo der kolumbianischen Sängerin Lucia Polido, die in den USA lebt und deren Werk aus einem Crossover von lateinamerikanischen Hirten-, Klage-, Erntelieder mit Jazz- und Klassikelementen besteht, lautet dagegen: „Respekt vor dem anderen Menschen würde der Welt einen viel harmonischeren Lauf erlauben."Vorgestellt werden desweiteren der Förster Erwin Thoma, der mit seiner Firma spezielle Holzhäuser auf ökologischer Grundlage in aller Welt erstellt:„Es ist ein fataler Irrtum, dass wir glauben, das Leben funktioniere nur, wenn man kämpft." Das Schweizer Ehepaar Barbara und Erich Graf betreibt auf La Palma ein Zentrum für autarke Permakultur und ökologische Lebensentfaltung, um erodierte oder verseuchte Böden wieder in fruchtbares Ackerland zurückzuverwandeln: „Es kommt auch vor, dass wir Leute besuchen und Mist mitbringen. An Mist mangelt es immer." Der Inder Sanjit „Bunker" Roy gründete dagegen die Barefoot Colleges für benachteiligte Menschen, in denen mittlerweile mehrere Millionen Männer aber vor allem Frauen, Kinder und Großmütter eine schulische oder berufliche Ausbildung erhielten: „Die Frauen werden es sein, die der Welt Veränderung bringen."Mit dem aktuellen Dalai Lama kommt auch eine weltweit prominente Person in Wagenhofers Film zu Wort, der bei seinem Besuch der sogenannten „Mind & Life"-Konferenz gezeigt wird, eine langjährig bestehende Gesprächsreihe zwischen dem geistlichen Oberhaupt der Tibeter und Naturwissenschaftlern. Mit dessem bekannten Sinn für Ironie schränkt er die Bedeutung traditioneller Religion - und damit auch seine eigene Bedeutung - grundlegend ein: „Menschen beten seit Tausenden Jahren zu Gott und Buddha. Gesellschaftlich gesehen, ist das Ergebnis nicht sehr erheblich." Weniger bekannt ist allerdings die 1940 geborene jüngste Schwester des Dalai Lama, Jetsun Pema, obwohl sie in Jean-Jacques Annauds Spielfilm „Sieben Jahre in Tibet" ihre eigene Mutter gespielt hat, und auch ihr Lebenswerk wird in der Dokumentation näher vorgestellt. Zusammen mit ihrer älteren Schwester leitete sie über 40 Jahre lang 12 Kinderdörfer, wobei sie später Ministerin für Bildung und Erziehung der tibetischen Exilregierung wurde: „Wenn du in mein Alter kommst, wirst du wissen, was zu tun ist. Ich jedenfalls habe mein Bestes versucht."der Freitag: „War es schwerer, Protagonisten für das Gute zu finden, als solche, die Kritik üben?"Erwin Wagenhofer: „Es war enorm viel schwerer. Es ist eben leichter auf der Welt, Dinge und Zustände zu kritisieren und filmisch herauszuarbeiten, was nicht funktioniert." (...)„Michelangelos Zitat spricht ja auch von kleinen Zielen. Wie halten Sie es damit? Erwin Thoma, der Mann des Holzes, einer Ihrer Protagonisten in „But Beautiful", hat genau diese kleinen Schritte im Visier." „Es ist eine Frage der Perspektive, wie man den Spruch interpretiert. Ich denke, Michelangelo und Thoma wären sich ziemlich einig. Erwin Thoma sagt im Film, wir sollten so entscheiden, dass es auch noch für die siebente Generation nach uns gut ist. Dieses Denken hat dazu geführt, dass er die gesündesten Holzhäuser der Welt baut. Oder die Grafs, die sind beide Akademiker und hatten gute Jobs in Berlin, bevor sie ausgewandert sind, um auf La Palma Ödland zu kaufen und es in sehr kleinteiliger Handarbeit in ein Paradies zu verwandeln. Das scheinen mir die hohen Ziele zu sein, wie sie Michelangelo meint." (Erwin Wagenhofer im Gespräch mit der Wochenzeitung „der Freitag")„Durch die Schönheit wird der sinnliche Mensch zur Form und zum Denken geleitet; durch die Schönheit wird der geistige Mensch zur Materie zurückgeführt und der Sinnenwelt wiedergegeben." (Friedrich Schiller, „Über die ästhetische Erziehung des Menschen", 1795)KURZ NOTIERT: Im November sind auch noch eine ganze Reihe weiterer sehenswerter Dokumentationen in den deutschen Kinos angelaufen: Der Dokumentarfilm CAIRO JAZZMAN (ab 7.11.) aus dem Jahr 2017 erzählt die Geschichte des Cairo Jazz Festivals und seines Gründers Amr Salah, einem ägyptischen Jazzkomponisten. Durch die politischen Umstände der Zeit und die gesellschaftlichen Umbrüche in Ägypten wird der Film so auch zu einem aktuellen Porträt der Hauptstadt Kairo. ------- In ASTOR PIAZZOLLA - THE YEARS OF THE SHARK (ab 7.11.) geht es um den revolutionären Erneuerer der argentinischen Tango-Tradition. Der Bandeonist und Komponist Astor Piazzolla (1921-1992) wurde inspiriert von klassischer Musik wie auch von moderner Jazz-Musik, was zunächst auf große Ablehnung stieß. In den frühen 50er Jahren studierte er sogar in Paris Klavierkomposition, wobei er dabei allerdings seine Wurzeln im Tango wiederentdeckte: „Für seinen Dokumentarfilm stürzte sich der Sohn von Piazzolla, Daniel Rosenfeld in die Privatsammlung der Familie. Zusammengekommen sind einzigartige Aufnahmen zahlreicher Auftritte und intime Familienfilme, die zusammen ein lebendiges Porträt von Astor Piazzolla ergeben." (filmstarts.de) ------- 2040 - WIR RETTEN DIE WELT! (ab 7.11.) hat nicht nur ein ähnliches Thema wie 'But Beautiful' sondern focussiert sich ebenfalls auf positive Lösungsansätze bei dem Versuch, sich die Welt im Jahr 2040 vorzustellen: „Strukturiert hat der Regisseur seinen Film als visuellen Brief an seine 4-jährige Tochter. Er kombiniert traditionelles Dokumentationsmaterial mit gespielten Sequenzen und visuellen Effekten, um eine Vision der Zukunft zu erstellen, wie er sie sich nicht nur für sein eigenes Kind wünscht." (filmstarts.de) ------- In SONGS OF FREEDOM (ab 7.11.) geht es um die kanadische Sopranistin Measha Brueggergosman, die „Freedom Songs" aus Afrika singt und erforscht, die mit dem Sklavenhandel nach Nordamerika kamen. Die Sängerin begibt sich dabei auch auf die Spuren ihrer eigenen Familiengeschichte, die zweihundert Jahre zurück bis nach Kamerun reicht. ------- Völlig anders gelagert ist dagegen die Wissenschaftsdoku HUMAN NATURE: DIE CRISPR REVOLUTION (ab 7.11.) über die Möglichkeiten, Grundlagen und Gefahren der neuen Genschere „Crispr", die ganz neue Horizonte in der Biologie und vor allem in der Medizin eröffnet. Vorgestellt werden Wissenschaftler, die die Genschere entdeckt haben, Familien, die von ihrer Anwendung profitieren könnten, sowie Bioingenieure, die ihren Einsatz vorantreiben wollen. ------- In einer weiteren Wissenschaftsdoku geht es noch tiefer hinab in die Feinstrukturen der Materie, denn in DIE SINFONIE DER UNGEWISSHEIT (ab 7.11.) reist die promovierte Physikerin Claudia Lehmann, die aber schon lange als Filmemacherin bzw. Videokünstlerin arbeitet, zum größten Teilchenbeschleuniger der Welt, dem DESY in Hamburg, um u.a. der alten Frage nachzuspüren, was die Welt im Innersten zusammenhält. „Hier bringen Claudia Lehmann und Konrad Hempel für ihren Dokumentarfilm „Die Sinfonie der Ungewissheit" ungewöhnliche Personen zusammen, um über das Leben zu sprechen: eine Schamanin, den Physikprofessor Gerhard Mack und andere Wissenschaftler. Sie alle konfrontieren die Filmemacher mit der Frage zu unserer Existenz. Weltsichten kollidieren. Und schnell wird klar: Einfache Wahrheiten gibt es nicht." (Deutschlandfunk Kultur) ------- Regisseur Anton Corbijn ('Control', 'The American') begleitete die legendäre Elektronik-Band Depeche Mode während ihrer 'Global Spirit Tour' 2017/2018, die bei 115 Konzerten vor fast 3 Millionen Fans spielte. Dabei hat er in DEPECHE MODE: SPIRITS IN THE FOREST (ab 21.11.) nicht nur die Begeisterung und die Perfomance z.B. auch bei den finalen Auftritten in der Berliner Waldbühne eingefangen, er warf auch einen Blick hinter die Kulissen und porträtierte sechs besondere Anhänger, um die zeitlose Relevanz der Band zu vermitteln. ------- Der Dokumentarfilm DICKTATORSHIP (ab 28.11.) der beiden Filmemacher Luca Ragazzi und Gustav Hofer schließlich sucht nach den Ursprüngen des männlichen Chauvinismus und nimmt dabei speziell die Verhältnisse in Italien genauer unter die Lupe, einem Land, in dem es 887 Umschreibungen für den Penis geben soll: „Von den Mussolinis, Berlusconis und Casanovas des Landes inspiriert, wollen sie ergründen, warum viele Gesellschaften noch immer so vom männlichen Geschlecht getrieben sind und was die Dreifaltigkeit aus Penis, Macht und Politik so anziehungskräftig für die Menschen macht..." (filmstarts.de)
Die vierköpfige Familie Kim lebt in einer schäbigen Kellerwohnung am Rande des Existenzminimums und schlägt sich gerade so durchs Leben. Durch einen glücklichen Zufall kann der jüngste Sohn eine Stelle als Hauslehrer bei der reichen Familie Park ergattern und nach und nach schaffen sie es durch Intrigen und Urkundenfälschungen, daß auch die übrigen Familienmitglieder bei den Parks angestellt werden. Die Unterwanderung der Parks durch die Familie Kim nimmt dabei immer tolldreistere Formen an...Mit 'Parasite' legt der koreanische Regisseur Bong Joon-ho einen furiosen Genremix aus schräger Familienkomödie, gesellschaftskritischer Farce und schwarzhumoriger Satire vor, der im Frühling mit einem einstimmigen Votum der Jury schon die Goldene Palme bei den Filmfestspielen in Cannes gewann. Der Film stiess dabei nicht nur auf große Begeisterung bei den Kritikern, die teils Vergleiche mit großen Regiekollegen wie Hitchcock, Chabrol oder Buñuel zogen, sondern auch das Kinopublikum strömt weltweit in die Vorführungen. In Südkorea haben bereits über zehn Millionen Menschen 'Parasite' gesehen und in den USA gelang ihm der beste Start aller Zeiten für einen fremdsprachigen Film, was im Mutterland des global dominierenden Hollywoodkinos und mit den durch die heimische Produktion geprägten Sehgewohnheiten keine Kleinigkeit ist. Mittlerweile wird er sogar als Oscarfavorit nicht nur für den besten ausländischen Film sondern auch für die neu geschaffene Kategorie des besten internationalen Films und sogar als bester Film überhaupt gehandelt.Regisseur Bong Joon-ho, der vor seiner Filmkarriere Soziologie studiert hat, erweist sich dabei nicht nur als genauer Beobachter und Analytiker von sozialer Ungleichheit oder „den feinen Unterschieden", wie der französische Starsoziologe Pierre Bourdieu (1930-2002) einst sein theoretisches Hauptwerk über die unterschiedlichen kulturellen und habituellen Eigenarten verschiedener sozialer Schichten, Milieus und Klassen genannt hatte. Er besitzt vor allem auch die Fähigkeit und erzählerische Kraft solche zunächst doch eher blutleer-abstrakten und politischen Zusammenhänge mit Leben zu erfüllen und sie in phantastische Geschichten umzusetzen. So hatte er etwa schon in der so rasanten wie düsteren Science Fiction-Dystopie 'Snowpiercer' von 2013 das ewige Spannungsfeld zwischen Herrschern und Beherrschten mit den Mitteln des intelligenten Action-Kinos illustriert und auch in seiner von Netflix produzierten Öko-Satire 'Okja' von 2017 über ein genmanipuliertes Riesenschwein geht es um den Kampf zwischen idealistischen Underdogs gegen einen schier übermächtig erscheinenden Großkonzern.Damit reiht sich Bong Joon-ho ein in den schon lange anhaltenden künstlerischen Aufschwung des südkoreanischen Kinos, der mit Namen wie Lee Chang Dong, dem Schöpfer der gefeierten Murakami-Verfilmung 'Burning' von letztem Jahr, Kim Ki Duk ('Hwal - Der Bogen'), Hong Sang Soo ('Einmal fremd, einmal vertraut'), Park Chan Wook ('Oldboy', 'Durst', 'Die Taschendiebin') oder Im Sang-soo verbunden ist, dem Regisseur des Erotikdramas 'Das Hausmädchen' von 2010, als Remake eines Klassikers von 1960. Mit 'Das Hausmädchen' gibt es gewisse inhaltliche wie formale Parallelen zu 'Parasite', nicht zuletzt, weil Bongs Szenenbildner Lee Ha Jun Jun auch für die Ausstattung in diesem Remake verantwortlich war. Bongs so unterhaltsame wie bitterböse Kapitalismusparabel, die das Thema der sozialen Spaltung so mitreißend in Szene setzt, zielt dabei aber nicht nur auf die zunehmende Ungleichheit in seinem Heimatland, die weltweite Resonanz zeigt deutlich, daß er damit einen globalen Nerv getroffen hat:„Bong nennt ihn einen „Film der Türen und Treppen". Die Villa ist großzügig angelegt, mit vielen Treppen, die in die oberen Stockwerke führen, aber auch in den Keller – das Reich der Haushälterin. „Jede Tür öffnet sich auf ein Geheimnis", sagt Bong. Darum hat er die erste Haushälterin, die nach einer Intrige ihren Job bei den Parks verliert, Moon-gwang genannt: Ihr Name enthält das koreanische Wort für „Tür". Sie kennt alle baulichen Geheimnisse der Villa, sie sind auch für die Architektur des Plots essenziell." (tagesspiegel.de)„Seit seinem ersten Spielfilm, Hunde, die bellen, beißen nicht, aus dem Jahr 2000 gilt Bong als meisterhafter Handwerker und Stilist. Und nicht gerade als Sensibelchen. Überzeichnung ist eine seiner zentralen Strategien. Man wundert sich auch in seinem jüngsten Film immer wieder, wie er so dick auftragen kann, ohne dass alles in sich zusammenstürzt. Parasite ist Klassenkampf in der K-Pop-Version. Opulent und perfekt orchestriert wird aus dem sozialkritischen Setting eine Form von Hyperrealismus. Die Figuren sind vor dem realen ökonomischen Hintergrund übersteigert ins Karikaturhafte, inszeniert vor perfekter Kulisse, in einem Film, der so wandlungsfähig ist wie seine Protagonisten." (freitag.de)„Dabei erscheinen die Reichen hier nicht grausam und nicht einmal besonders unsympathisch; sie bezahlen ordentlich und benehmen sich freundlich; ihr Habitus, der Campingtrips, spontane Gartenpartys und Klitorismassagen auf dem Sofa einschließt, hat durchaus etwas Cooles, Aufgeklärtes. "Geld ist wie ein Bügeleisen, es glättet alle Falten", sagen die Kims. Marx würde vielleicht bemerken, dass Leute wie die Parks so entspannt sein können, weil ihre Vorstellungen von Lebensqualität allgemeiner Maßstab, weil die "Gedanken der herrschenden Klasse in jeder Epoche die herrschenden Gedanken" sind." (zeit.de)PS: Ebenfalls am 17. Oktober startete in den deutschen Kinos der Dokumentarfilm DAS KAPITAL IM 21. JAHRHUNDERT nach dem gleichnamigen Buch des französischen Wirtschaftswissenschaftlers Thomas Piketty, das nach seinem Erscheinen 2013 weltweit Furore machte. In dieser Studie geht es auf vielfältiger empirischer Grundlage um die zunehmende Einkommens- und Vermögensungleichheit in den letzten dreihundert Jahren als wesentliches Element einer kapitalistischen Wirtschafts- und Gesellschaftsordnung, die seit Mitte des 20. Jahrhunderts in den Industrienationen noch einmal deutlich angestiegen seien und damit zunehmend die Demokratie bedrohten. Regisseur Justin Pemberton, der seine Karriere einst mit dem Drehen von Musikvideos begann, versucht Kernthesen des Buches mit Experteninterviews, Filmausschnitten und verschiedenen popkulturellen Referenzen anschaulich zu illustrieren, um dessen Botschaften zu popularisieren, wobei die Kritik nur teilweise von dieser Herangehensweise überzeugt war:„Gut dreihundert Jahre lässt Pemberton auf seiner Zeitreise Revue passieren, für ihn ist der Kapitalismus Schönheit und Biest zugleich, atemberaubend kreativ und ein Erfinder herrlicher Dinge – doch wehe, er bricht zusammen. Piketty hat Angst vor brutalen sozialen Spaltungen, und die Stimmen, die der Film versammelt, haben das auch. Kate Williams, Suresh Naidu, Paul Mason, Gabriel Zucman, Joseph Stiglitz und viele andere sind Meister darin, die Dinge klar und klug zu erklären und den Nagel auf den Kopf zu treffen. Und doch beschreibt der Film die Welt simpler, als sie ist, wobei die überhastete Clip-Ästhetik ironischerweise an jene visuellen Geschmacksverstärker erinnert, mit der einst der Neoliberalismus in die Köpfe getackert wurde." (zeit.de)
Originaltitel: ParasiteRegie: Bong Joon-hoLänge: 132 (min)Darsteller: Song Kang-ho, Lee Sun-kyun, Jo Yeo-jeong, Jang Hye-jin...Produktionsort: SüdkoreaProduktionsjahr: 2019Startdatum: 17.10.19
Die Schöneberger Galerie 'The Ballery' zeigt noch bis zum 8. Februar 2020 neue Werke des in Berlin lebenden Malers Igor Skaletsky, die dem Neosurrealismus zugeordnet werden. Das Online-Portal queer.de charakterisiert dessen so eigentümliche wie originelle Verbindung aus Malerei und Photographie folgendermaßen:„Mit Bildern aus Kunstgeschichte und Mode schafft Skaletsky einzigartige Collagen. Er beginnt damit, digitale Bilder am Computer zu erstellen und sie dann auf Leinwand zu drucken, mit Acryl- und Ölfarben zu überlagern und so das Surreale mit dem Alltäglichen zu verschmelzen."„Skaletsky works with both digital and analogue collage techniques mixing them with painting. His unique fusion of photography and painting achieves an effect which goes beyond a "pure" traditional technique." (Ausstellungstext)Der Wahlberliner wurde 1978 in Russland geboren, zog 1990 nach Israel und machte 2008 seinen Abschluß an einer Moskauer Kunstakademie. Igor Skaletsky ist auch Teil der Gruppenausstellung 'From Russians with Love', die an gleicher Stelle ab dem 15. Februar und dann bis zum 29. Februar zu sehen sein wird. Dort werden ausschließlich Arbeiten von russischen Künstlern vorgestellt, die überwiegend in Berlin beheimatet sind. Darunter werden auch Bilder des russisch-amerikanischen Multimediakünstlers und Schriftstellers Slava Mogutin sein, der in New York lebt und wegen seine politischen Engagments aus Rußland verbannt wurde. Vom 7. März bis zum 18. April zeigt 'The Ballery' dann eine Einzelausstellung mit seinen Werken:„Mogutins Arbeit ist geprägt von seinem bikulturellen literarischen und dissidenten Hintergrund, der die Themen Vertreibung und Identität umfasst. Übertretung und Verklärung von Männlichkeit und Geschlechterübergang; urbane Jugendsubkulturen und jugendliche Sexualität; das Aufeinandertreffen von sozialen Normen und individuellen Wünschen; die Spannung zwischen Anhaftung und Unzufriedenheit, Hass und Liebe." (Ausstellungstext)Nollendorfstrasse 11-12, 10777 Berlin. Mi-Fr 15-19 Uhr, Sa 13-17 Uhr.
Im Juni 1969 stürmte die Polizei die Bar Stonewall Inn in der New Yorker Christopher Street Day, ein Treffpunkt der queeren Szene, die schon seit vielen Jahren Razzien, Überfälle und Schikanen über sich ergehen lassen musste. Doch diesmal kam alles anders, weil die queere Community aufbegehrte und sich wehrte, um in einem tagelangen Aufstand ein Zeichen des Widerstands zu setzen, das schließlich zum Fanal und Startschuss für die jüngere Bewegung homo- und transsexueller Menschen wurde. Zum 50jährigen Jubiläum dieser Ereignisse will die Ausstellung 'Love at First Fight!' im Schwulen Museum Berlin - in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut und der Bundeszentrale für Politische Bildung - jetzt einen Blick darauf werfen, wie die Geschehnisse in New York die schwullesbische Bewegung zunächst in West-Deutschland und in der DDR und später im wiedervereinigten Deutschland beeinflusst haben, um die Verbindung und Kontinuität zur Gegenwart herzustellen:„Gezeigt wird manifestierter Widerstand: Plakate aus anderen Zeiten, Flyer, gedruckte Protestaufrufe, Underground-Fanzines, Streitschriften – denn die Ausstellung schaut auch überall dorthin, wo es geruckelt hat in der Bewegung: zu den frühen Lederschwulen-Treffpunkten in Kreuzberg etwa, oder zur feministischen Szene der DDR, zum legendären Tuntentstreit der linken Schwulen, zum so genannten Hexenprozess von Itzehoe, zur Gründung des Netzwerks Schwarzer Frauen in Deutschland, oder auch zu den heutigen Protestaktionen der trans* Bewegung." (Ausstellungstext)Der besondere formale Clou dieser Ausstellung besteht darin, daß sie komplett digital, als Datenstick plus Handbuch, existiert und „on demand" überall auf der Welt angefordert bzw. mit einfachsten Mitteln aufgebaut werden kann! Die Ausstellungsobjekte lassen sich so auf unterschiedlichste Trägermedien (Leinwände, Plakate, Flyer usw.) drucken und können dann auf mobilen Ständern aufgestellt werden: „Unsere Ausstellung soll ihren eigenen Raum erzeugen und eine Stimmung herstellen, die den Grundton unserer Narrative spiegelt." sagt Birgit Bosold, eine der Kuratorinnen, was auch eine „Lust am Wilden und Chaotischen" impliziere. „Wir zeigen ja auch nicht die eine chronologische Geschichte, die den Anspruch auf alleinige, objektiv historische Richtigkeit vertritt", ergänzt Co-Kuratorin Carina Klugbauer. „Wir legen den Fokus auf verschiedene Konflikte und Interventionen in der Bewegungsgeschichte, auch innerhalb der Bewegung selbst. Auf die Debatten, die geführt wurden oder weiter geführt werden müssen, auch mal in rauerem Ton. Und der kann sich gern auch in der Ausstellung wiederfinden."Die rund 100 Exponate umfassende und eben digital verfügbare „Wanderausstellung" wird mindestens ein halbes Jahr im Schwulen Museum zu sehen sein, um im Rahmen des Multimedia-Projekts „Queer as German Folk" des Goethe-Instituts auch in verschiedenen Goethe-Instituten in Nord- und Mittelamerika gezeigt zu werden, so in Washington, D.C., Toronto, New York, Montreal, Chicago, San Francisco, Mexiko Stadt und Guadalajara: „Unser Ziel war es, einen Erlebnisraum zu schaffen", sagt Georg Blochmann, der das New Yorker Goethe-Institut leitet und „Queer as German Folk" mit initiiert hat. „Wir wollen Geschichte und Gegenwart der Bewegung erleb- und erfahrbar machen, und das auf ganz neuen Wegen." (Ausstellungstext)Lützowstraße 73, 10785 Berlin. Sonntag, Montag, Mittwoch und Freitag 14–18 Uhr, Donnerstag 14–20 Uhr, Samstag 14–19 Uhr. Eintritt 7,50 Euro, ermässigt 4,00 Euro.
Das Interesse am künstlerischen Werk von Gustav Klimt (1862-1918) ist ungebrochen, wie auch die überwältigende Resonanz anlässlich seines 150. Geburtstags zeigte, der im Juli 2012 gefeiert wurde. Klimt gilt als einer der bedeutendsten Vertreter des Wiener Jugendstils, auch „Wiener Secession" genannt, der schon zu Lebzeiten stark polarisierte und die Gemüter erregte, nicht zuletzt durch seine erotischen Gemälde und Zeichnungen aber auch durch einen entsprechenden Lebensstil:„Den einen galt er als Modernist mit verdächtig losem Lebenswandel, den anderen wiederum als zu sehr in der malerischen Tradition verhaftet. Seine Gemälde und Zeichnungen polarisierten nicht nur die Kunstszene, sondern auch die Presse und damit die Öffentlichkeit. "Ist Klimt ein Genie oder ein erotomaner Scharlatan?" war eine Frage, die damals in Wiens Kaffeehäusern, Redaktionen und Salons genussvoll debattiert wurde." (Verlagstext)Kennzeichnend für seinen Stil sind u.a. die allegorische Verwendung der „Nuda Veritas", der „nackten Wahrheit", in einigen seiner Bilder, zum anderen die auffällig schimmernden Goldhintergründe in vielen seiner Werke, die an japanische Traditionen erinnern: „Die auffällige Verdichtung und flächige Wirkung zahlreicher Landschaftsbilder erreichte Klimt dadurch, dass er sich mittels Fernrohr ausgewählte entfernte Landschaftsausschnitte nah heranholte. Das Porträt Adele Bloch-Bauer I gehört mit einem Erlös von 135 Millionen US-Dollar zu den am teuersten verkauften Gemälden der Welt." (Wikipedia)Der 150. Geburtstag war nun auch der Anlaß für den Taschen Verlag, ein monumentales Buch auf den Markt zu bringen, das großformatig, in exzellenter Druckqualität und mit vielen herausklappbaren Seiten sämtliche Gemälde von Klimt versammelt - zu stolzem Preis, der aber angesichts des Umfangs (652 Seiten), der technischen Qualität und weiterer Beigaben völlig gerechtfertigt erscheint. Die bestehen u.a. in einer ganzen Reihe von Essays verschiedener Kunstexperten, die z.B. die zeitgenössischen Reaktionen auf Klimts Werk untersuchen, seine Darstellung der Frau analysieren oder seine Hinwendung zur Landschaftsmalerei in der zweiten Lebenshälfte erläutern. Der Künstler selbst und seine Zeitgenossen kommen ausführlich zu Wort und so ist beinahe die gesamte Korrespondenz von Klimt ebenfalls hier abgedruckt. Außerdem läßt sich in zahlreichen Detailausschnitten seine Pinselführung genauer studieren.Der Herausgeber Tobias G. Natter war u.a. Kurator an der Neuen Galerie New York, von 2006 bis 2011 Leiter des Vorarlberger Landesmuseums in Bregenz und von 2011 bis 2013 Direktor des Leopold Museums in Wien. Durch diese Funktionen, durch die Konzeption und Organisation von einschlägigen Ausstellungen und durch eine entsprechende umfangreiche Publikationstätigkeit hat er sich einen Namen als weltweit anerkannter Experte für die Wiener Kunst der Jahrhundertwende gemacht.Taschen Verlag, Hardcover mit Ausklappern, 29 x 39,5 cm, 652 Seiten, 150,00 Euro, Oktober 2012.PS: Siehe auch den im Juni 2015 in den deutschen Kinos angelaufenen -umstrittenen - Spielfilm 'Die Frau in Gold' mit Helen Mirren, Daniel Brühl, Ryan Reynolds und Moritz Bleibtreu in den Hauptrollen, der die wechselhafte Geschichte bzw. den juristischen Streit um das oben erwähnte Porträt Adele Bloch-Bauer I, auch genannt „die goldene Adele", zum Inhalt hat.
Selbst heute noch scheinen Orgasmusprobleme von Frauen endemisch zu sein. Falls entsprechende Umfragen, Statistiken und Auskünfte von Sexualwissenschaftlern nicht trügen oder auf medial verstärkter selektiver Wahrnehmung bzw. Legendenbildung beruhen, stellt sich die grundsätzliche Frage, warum "der kleine Tod" für Frauen bedrohlicher sein soll als für Männer. Liegt es an einer anderen Biologie, also an körperlichen bzw. genetischen oder physiologischen Faktoren? Haben Frauen daher aus natürlichen Gründen weniger Lust auf Sex? Oder führt die weibliche Biologie "nur" zu einer gegenüber der des Mannes verzögerten Erregungskurve? Kommen Männer also "zu früh"? Wirken archaische Ängste von Tausenden von Generationen nach bezüglich der existentiellen Risiken von Schwangerschaften? Sind Frauen generell ängstlicher und haben dadurch mehr Probleme mit dem lustvollen Kontrollverlust? Geben sie dem Sex allgemein und dem Orgasmus speziell eine zu geringe Bedeutung oder Aufmerksamkeit, reden sie zuwenig darüber, sind sie weniger in ihrem Körper verwurzelt? Ist Jahrtausende alte männliche Unterdrückung Schuld? Sind Männer zu unsensibel oder ungeschickt? Liegt es an den Folgen traditionell religiöser Prägung, weiblicher Sozialisation und weiblicher Rollenmodelle oder ähnlichen soziokulturellen Faktoren?? Oder ist es die Folge von übermässigem Konsum von Liebesromanen und kitschig-romantischer Vorabendserien, die den sexuellen Akt ätherisch verklären - Saxofon-Musik! - und damit völlig entkörperlichen???...Fragen über Fragen, die an dieser Stelle offen bleiben müssen, es darf aber vermutet werden, daß eine komplizierte Mischung aus biologischen, kulturellen und individualpsychologischen Ursachen vorliegt. Sicher ist aber, daß die in diesem Band aus dem Taschen-Verlag abgebildeten Frauen genau wissen, wie sich ein Orgasmus anfühlt, denn Fotograph Will Santillo hat sie alle just in jenem Moment abgelichtet, als sie ihren durch Masturbation ausgelösten Höhepunkt erreichten! "Wenn der Orgasmus der kleine Tod ist, ist dann Masturbation der kleine Selbstmord?" lautet dazu die geistreiche Eingangsfrage auf der Verlagshomepage, die indirekt auch eine gängige sexualtherapeutische Einstiegsstrategie bei weiblicher Anorgasmie - nämlich die systematische Erforschung der eigenen Körperreaktionen, das Hineinsteigern in erotische Phantasien und die gezielte Einübung der Selbstbefriedigung - mit einem überraschenden Zusatzakzent versieht.Der Bildband mit den Schwarzweiß-Fotos versammelt dabei ein ganzes Spektrum unterschiedlicher Frauentypen: "junge und alte, dünne und dicke, makellos schöne und solche, die sich erst durch sein Objektiv betrachtet als schön entpuppten." (Verlagstext) Ergänzt werden die Bilder durch Interviews, die Herausgeberin Dian Hanson ('The Big Penis Book' etc.) mit 37 Frauen führte und in denen dem Leser Einblicke in intime Gefühlswelten gewährt werden: "Die Porträtierten sprechen offen darüber, wie sie ihre Hemmungen überwanden und ihrer exhibitionistischen Seite freien Lauf ließen, um vor einem Fremden mit Kamera zum Höhepunkt zu kommen." Für Fotograph Santillo ist die Masturbation in gewisser Weise ein intimerer Akt als andere Sexspielarten, da sie normalerweise im höchst privaten Rahmen stattfindet. Er betrachtete es daher als besondere Herausforderung, diese Intimität und die Schönheit des Geschehens fotographisch einzufangen: "Santillo wollte das verborgene Antlitz seiner Modelle zeigen. Und tatsächlich sind es die Gesichter, die in diesen kunstvollen Fotos die Intensität der Gefühle am eindrucksvollsten widerspiegeln."Taschen Verlag, Hardcover 20,4 x 28,9 cm, 208 Seiten, mehrsprachig, April 2011, 29,90 Euro.
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Netzware von Andreas Wittich
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